La saga Massacre à la tronçonneuse est l’une de celles qui ont le plus souffert de ses suites, ce qui avait suivi privilégiant le gore facile à défaut d’une mise en scène efficace (rappelons-le pour ceux qui n’auraient pas vu le premier opus, l’horreur était suggérée, mais le tout était si bien foutu que l’on en ressortait en ayant eu l’impression d’avoir vu le film le plus dégueulasse au monde).
La franchise fut ramenée sur les devants de la scène il y a quelques années avec deux opus acceptables, dont un remake et un autre suivant la tradition des préquels. Celui-ci fait en revanche fi de tout ce qui a pu être fait auparavant en usant comme générique d’introduction de multiples plans du premier (celui de 74), nous faisant bien comprendre qu’il est le second, enfin le deuxième second — je sais c’est le bordel.
Bref le métrage ne tarde pas de montrer à quel point son originalité aura vite atteint ses limites, la première scène semblant être un copié/collé de celle de The Devil’s Rejects, avec la famille macabre barricadée chez elle et avec en face les forces de l’ordre et quelques hillbillies. Notons également la présence de Bill Moseley en leader de la famille foldingue, rôle qu’il tenait déjà dans The Devil’s Rejects, histoire d’appuyer ce sentiment de créativité inexistante.
Bon, passons cela et plongeons-nous dans ce slasher qui essaie de faire vibrer la fibre rétro. Ok, on a des teens tous plus cons les uns que les autres, avec quelques petites pépés qui vous feront vous dresser dans votre fauteuil, qui se préparent pour accompagner une amie qui doit récupérer l’héritage de la famille maudite, celle-ci en étant la descendante. Ce qu’elle ne sait pas c’est que dans le coin rôde Leatherface, son cousin, qui a une sacrée envie de la buter. On se croirait presque à Haddonfield.
Tout est téléphoné, poussif, et si le gore n’était pas aussi efficace nous serions sortis de la salle en sautant à pieds joints sur nos lunettes 3D (parce qu’en plus la 3D est très mal utilisée, dès le début avec une maison en feu où les flammes en CGI sont totalement ratées, et le reste de son utilisation se limite à vous foutre en pleine gueule la fameuse tronçonneuse). Le réalisateur John Luessenhop tente même de pomper une nouvelle fois The Devil’s Rejects en essayant de susciter de l’empathie chez le spectateur pour cette famille de dégénérés, sans succès, évidemment.
Texas Chainsaw 3D n’est pas un bon film. Il ne mérite pas le prix d’une place de cinéma, en revanche il méritera d’être acheté à petit prix rien que pour le plaisir de voir boyaux et membres voler dans tous les sens. Quelques passages sont à saluer, dont l’irruption de Leatherface en plein milieu d’une fête foraine, mais pour le reste c’est très énervant de voir à quel point toutes les oeuvres de référence de l’horreur/épouvante ont été mixées ensemble pour que cette bobine soit pondue (sans compter les gimmicks de l’oeuvre originale de Tobe Hooper, usés jusqu’à la corde).

Uwe Boll aime les mass murderers, et voici qu’il conclut sa trilogie du genre avec ce Assault on Wall Street. Il avait commencé avec Amoklauf, où un serveur lassé par sa vie décidait de lâcher sur son prochain une rage longtemps intériorisée. Rampage quant à lui mettait en place un teen qui, usant d’un habile plan avec une porte de sortie décidait de massacrer à tout va les habitants d’une petite bourgade. Deux premières bobines dont le fond était plus ou moins social, la seconde tirant plus sur la cupidité, qui est également, et principalement, le nerf central de cette nouvelle réalisation du réalisateur le plus — injustement — détesté au monde.
Pas vraiment de changements niveau casting, si ce n’est l’arrivée de Dominic Purcell, qui en plus de tenir le rôle principal ici sera à l’affiche de presque toutes les prochaines bobines de Boll (King Rising 3, Suddenly), et pour le reste nous avons toujours le droit aux têtes habituelles, Edward Furlong, Keith David, Michael Paré, Lochlyn Munro et le roi du nanar, Clint Howard.
Techniquement parlant Assault on Wall Street n’a rien de particulièrement révolutionnaire, ça sent le direct-to-video, mais néanmoins ça reste propre, maîtrisé, à l’inverse de King Rising 2 qui était immonde. Notons que pour une fois Uwe Boll a laissé tombé son tic « shaky cam » qui se montrait particulièrement éprouvant et gâchait la lisibilité de la plupart des scènes d’action dans ses films. Il semble donc avoir appris de ses erreurs, mais attendons néanmoins de voir ses prochaines réalisations avant de crier victoire (et au vu du trailer de King Rising 3 on espère en revanche qu’il l’utilisera, le produit s’annonçant très mauvais).

Venons-en à la narration elle-même, car c’est le plus important ici. Uwe prend soin de poser ses personnages, le couple principal dont la femme est gravement malade, le courtier qui a des dents trop blanches pour paraitre honnête, l’avocat qui fait tourner le malheureux en bourrique, et les acteurs principaux de la tour où le personnage de Dominic Purcell, Jim, avait placé ses économies, tranquillement en train de se remplir les poches, en pleine crise, tandis que les pauvres malheureux qui leur avaient confié leur argent se retrouvent le bec dans l’eau.
Pas trop larmoyant, même si ça sonne un peu façon loi de Murphy (mais pas tant que ça, des personnes ayant connu ce genre de spirale sans fin), Jim se contient jusqu’à ce qu’il n’ait absolument plus rien à perdre et décide de prendre les devants, gravissant le Golgotha afin d’exécuter un par un ceux, qui selon lui, le méritent, devenant la main gauche de Dieu venue punir lors du Jugement Dernier ceux qui ont mis fin à une civilisation arrivée à son déclin. D’évidents symboles religieux que n’aurait pas renié Richard Kelly avec son Southland Tales, bien que tout ceci reste sujet à interprétation, évidemment.
La question principale reste ici d’ordre moral, et l’on se retrouve à s’interroger sur la légitimité des actes vengeurs, instants que connaissent les super-héros qui s’auto-attribuent le rôle de juge-juré-bourreau, passage inévitable dans la plupart des comics. Uwe dit haut et fort et met en image ce que beaucoup ont pensé, et c’est aussi là que le cinéma trouve tout son intérêt, fournir un exutoire afin de ne pas commettre l’irréparable, tout comme l’a fait il y a peu Bobcat Goldthwait avec son God Bless America.
Malgré quelques faiblesses de mise en scène, celle-ci étant un peu molle durant la plus grande partie du film, l’oeuvre se conclut avec une scène de massacre maîtrisée, lisible, quoiqu’un peu courte pour ceux qui s’attendaient à quelque chose dans la veine de Rampage, avec néanmoins un final assez étonnant et inattendu, tout comme dans la bobine précédemment citée.
Du grand Uwe Boll, qui nous prouve une nouvelle fois que lorsqu’il n’adapte pas des jeux-vidéo au cinéma il est capable de nous servir quelque chose de censé et sincère.

Eri Roth, vous l’aimez, ou non, et si sa saga Hostel divise, il faut bien avouer que son Cabin Fever était un joyeux petit bijou pour les amateurs de gore à base d’infections virales aux effets secondaires joyeusement répugnants. Le revoici avec quelques potes sud-américains (Nicolás López et Guillermo Amoedo) pour nous offrir de l’horreur bestiale et sans retenue. D’un côté le contrat est rempli, de l’autre il laisse sur sa faim.
Oui, on a de bonnes grosses scènes gores qui raviront les amateurs, mais hélas tout ça sent le réchauffé, mélangeant allègrement Hostel et Very Bad Trip. On a une bande de gars qui sont en vacances au Chili, avec l’un d’eux qui sert de Zach Galifianakis, nerf central de la rigolade du film, en plus d’Eli Roth qui joue les Bradley Cooper. Tout tourne donc autour de Very Bad Trip pendant un long moment, avant de virer dans un délire à la Hostel, où l’essentiel de la « terreur » venait du dépaysement. Lâchés en territoire inconnu, cette bande de survivants tentent de se frayer un chemin dans les décombres d’une petite ville, où manque de bol le tremblement de terre a libéré les délinquants d’une prison avoisinant la discothèque où nos héros se livraient à leurs beuveries. Les moments de tension existent, mais sont bien trop rares et prévisibles. Le film est annoncé comme gore et violent, donc lorsque l’un des malfrats menace de brûler l’un des personnages principaux coincé sous un rocher on sait très bien qu’il le fera car l’on ne demande que ça.
Bancal, manquant cruellement d’originalité, Aftershock n’en reste pas moins un bon petit moment de gore, à voir une fois pour les amateurs du genre, mais ne restera pas dans les mémoires, si ce n’est pour quelques passages vraiment sauvages. Espérons que la version bluray sera non-censurée, car le jet original avait laissé la MPAA perplexe qui lui avait accordé la motion NC-17, autrement dit un film impossible à diffuser en salles. Wait and see…

On peut dire qu’en matière d’épouvante et horreur qui sort de l’ordinaire Tanzi Distribution sait sélectionner ses produits et nous offrir de sacrés petites perles. The Theatre Bizarre, The Oregonian, deux bobines qui nous avaient pas mal captivées, et voici ce Modus Anomali, curiosité venue d’Indonésie.
Joko Anwar, le réalisateur et scénariste, ne manque pas d’expérience dans le domaine, nous ayant déjà surpris avec The Forbidden Door et Dead Time: Kala. Gros changement néanmoins pour cette nouvelle bobine, le tournage a été fait en anglais, volonté non dissimulée du cinéaste de se permettre plus facilement de s’exporter. Là-dessus on peut dire qu’il aura réussi son coup puisqu’il s’est retrouvé à Gérardmer, au PIFFF, à Sitgès et au SXSW, rencontrant là-bas un franc succès, d’où l’arrivée du métrage dans nos salles.
Bref, Modus Anomali ça parle de quoi ? Ça parle d’une histoire vue et revue 12.000 fois, un type se réveille dans les bois, amnésique, et découvre qu’il doit sauver sa famille aux prises avec un malade. Ça ressemble vaguement à du Saw, mais Joko Anwar arrive à apporter un je ne sais quoi rendant son produit captivant, parfois flippant, limite anxiogène, mais tout repose sur son twist final, qui est la grosse bombe du métrage. Du coup difficile de parler d’un film lorsque l’on connait la fin et que l’on a saisi les petits indices jonchés ça et là et auxquels on repense une fois le générique de fin arrivé…
Pour faire simple, Modus Anomali est très clairement une réussite et un essai psychologique hautement déstabilisant, apportant une touche d’originalité au genre qui peine à se renouveler. Tourné avec un mince budget, l’esthétisme n’est pourtant pas laissé de côté et les brefs effets gores se montrent très concluants. L’un des meilleurs thrillers de l’année, c’est une certitude !

Que l’on aime ou non One Piece, il y aura quelque chose qu’on ne lui pourra pas lui enlever, c’est la qualité de ses réalisations cinématographiques, dont le One Piece – Strong World sorti en 2011. Kazé et Eurozoom se sont une nouvelle fois associés pour que l’on puisse profiter d’une sortie assez rapide en salles, histoire de ne pas être frustrés (la sortie japonaise date de décembre 2012 ! Autant dire que certains se sont pliés en quatre pour nous !).
Comme pour le premier on se retrouve dans le même univers, personnages déjantés, des situations absurdes et un humour très présent. Puis une nouvelle fois on se rend compte que la Toei ne se fout pas de la gueule de ses fans, pas question de fournir un long-métrage juste pour ajouter un produit dérivé à la franchise et se remplir les poches, le travail est soigné, bien que le budget semble avoir été revu à la baisse. Les images de synthèses sont beaucoup moins présentes, ce qui est regrettable car elles donnaient une véritable dynamique visuelle à Strong World. Néanmoins les animateurs se sont débrouillés avec une animation plus traditionnelle pour restituer des scènes d’action efficaces.
L’histoire en elle-même semble de prime abord très bateau, un méchant, Z, qui n’a rien de très original, brute patibulaire affublé de lunettes noires et d’un bras gigantesque, veut détruire tous les pirates, il devient donc l’ennemi de Luffy et ses camarades qui grosso-modo passent le film à lui courir après pour lui faire payer son affront. Pourtant les petites trouvailles viennent ça et là intensifier les enjeux dramatiques et en révéler un peu plus sur les différents protagonistes.
Ce One Piece Z est donc une réussite, mais son orientation glissant par moment vers la mélancolie ne plaira pas toujours aux fans ou ceux qui étaient venus voir un spectacle complètement psychédélique comme l’était Strong World. N’en restent pas moins de gros moments délires et des scènes d’action très convaincantes.

Ce film d’animation Iron Man on l’attendait avec impatience car signé par le studio Mad House, celui-là même qui nous avait fourni les très sympathiques séries animées Marvel Blade, Wolverine, X-Men et l’excellent Iron Man, sans oublier leur long-métrage qui avait fait parler beaucoup de lui, Redline. Malheureusement, attentes ou non, le résultat est des plus décevant. On avait tendance à dire que seuls les japonais pouvaient fournir des produits de qualité, les films d’animation Marvel réalisés par des studios américains étant souvent médiocres, mais là le fond est tout bonnement atteint.
En fait tout cela sent le bâclage total et l’on a vraiment l’impression d’avoir affaire à un produit promotionnel censé augmenter un peu le buzz Iron Man 3. C’est mal animé, c’est cliché, Tony Stark est dénué de tout charisme (alors que Mad House avait pourtant fait honneur à ce personnage dans sa série animée !), les scènes s’enchaînent dans l’ennui le plus total, bref il n’y a vraiment rien pour sauver cette oeuvre du naufrage (à par peut-être le dessin en lui-même qui reste honnête). Même le vilain manque d’imagination, il ressemble à un mélange de Freeza et Venom avec le charisme d’un jeune mâle sorti d’un shoujo.
Pas grand chose d’autre à dire sur cette pellicule qui ne sert strictement à rien. Si, on pourra saluer la tentative d’ajout d’intérêt en faisant intervenir quelques sidekicks bien sentis (The Punisher, Hawkeye…), mais leur présence vient accuser une nouvelle fois le manque d’imagination pour faire vivre le personnage de Stark/Iron Man, sans compter le final qui vient affreusement lorgner du côté d’Akira.
Une fausse note qui vient ternir l’image d’un studio qui avait jusqu’ici fait un sans-fautes. Il est clair qu’ils ont dû avoir un gros chèque de la part de Marvel/Disney pour faire à la va-vite cette horreur, mais peut-être auraient-ils dû y réfléchir à deux fois, car les hardcores fans y réfléchiront maintenant peut-être à deux fois avant de se procurer l’un de leurs produits, les autres peut-être moins…

Depuis des années Oren Peli tire le genre DV-movie vers le bas avec des productions comme la saga Paranormal Activity ou encore le récent Chroniques de Tchernobyl. Cependant il y a bien une chose que l’on ne pourra pas lui enlever, c’est d’avoir produit The Bay, qui sans être d’une originalité débordante (infection dans une bourgade avec population se transformant en un genre de zombie), avait l’avantage de profiter d’une réalisation bluffante et immersive, venant redorer le blason d’un type ayant perdu toute crédibilité.
Heureusement, malgré son nombre incroyable de DV-movie foireux qui ont fini par user le public, d’autres se lancent encore dans la maigre fissure qu’il reste afin de tenter de faire leur trou. Grave Encounters y était arrivé, malgré une suite très décevante. Puis il y a eu le récent V/H/S, mixant DV-movie et film à sketches, usant d’une carte encore inédite.
Cette fois-ci c’est au tour du pour ainsi dire inconnu Danny Roew de nous proposer sa vision du genre, mélangeant allègrement comédie et horreur. Oui on a de quoi se marrer comme de petits fous, et oui le sang gicle abondamment, mais le véritable tour de force c’est de donner une logique à tout cela, et Danny y arrive très bien, soutenu par un scénario en béton signé Patrick Casey et Worm Miller. Pourtant l’essai avait tout pour être casse-gueule, tout du moins d’un point de vue logique. Un mariage qui vire au bain de sang ok, mais il faut bien trouver des raisons à ces meurtres ainsi que donner une identité à chacun des invités (le frangin post-Afghanistan totalement barré, l’amie qui profite de l’occasion pour dégager les autres demoiselles d’honneur afin de devenir la favorite, la mère timbrée qui zigouille tous ceux qui pourraient interférer avec le mariage, et j’en passe…), et l’écriture est si bien huilée que tout cela fonctionne à merveille, ne perdant pas un moment une once de crédibilité.
Il est évident que l’on trouvera une parenté à Very Bad Things et Rec Genesis, mais le film s’en éloigne pourtant, imposant son propre nom et devenant un spectacle jubilatoire qui ne cesse de se renouveler pour le plus grand plaisir des aficionados du DV-movie.
Shotgun Wedding est hilarant, sanglant, jonché d’idées toutes plus géniales les unes que les autres, et ce serait un crime de passer à côté. Danny Roew frappe fort et vient nous prouver que malgré cet océan de DV-movie foireux il reste toujours une place pour s’imposer. Sans nul doute à classer parmi les 10 meilleures bobines du genre.

Vampyres n’est pas à proprement parler un documentaire, mais serait plutôt ce qui s’apparenterait à une immersion en surface d’un nouveau mouvement underground. En effet, et c’est là son plus gros défaut, il reste contemplatif, fournit peu d’explications, est un peu foutraque, traitant de beaucoup trop de branches du vampyrisme et sur une durée trop courte (80 minutes) pour que l’on puisse vraiment en saisir l’intérêt. D’un autre côté cela en fait aussi son point fort, suscitant la curiosité du spectateur qui aura vite fait une fois la bobine terminée d’aller se renseigner sur le net afin de compléter ce qu’il aura appris devant, en plus d’analyser lui-même ce qu’il verra, la narration restant totalement neutre.
Sujet unique et peu médiatisé, on ne s’étonne pas que ce soit Lukas Zpira, qui n’est plus à présenter, qui soit à la source du projet, sa passion pour les modifications corporelles n’ayant pas ou peu de limites.
La première partie du documentaire est sans doute la plus authentique et la plus intéressante. Les banlieues américaines, ici le Queens, ont un métissage qui n’a pas de comparaison. Difficile d’affirmer qui est un metalleux et qui est branché Hip-Hop. Blancs et noirs arborent dreadlocks, piercings, tatouages, cuirs et baggies, alors qu’en France ces codes vestimentaires servent à se démarquer et montrer son appartenance. On comprend donc que pour ces êtres diurnes il faille passer à quelque chose d’autre pour affirmer qu’ils sont en marge, d’où le port de prothèses dentaires afin de leur donner le look vampyre. On y trouve une aspiration sociale et politique, et l’on regrette que leur branche n’ait pas été plus approfondie, car ce qui vient par la suite fait très vite dégringoler tout le documentaire qui se transforme en farce sur le pathétisme.
On y voit une succession de types totalement décérébrés se prenant pour de gros notables, alors qu’ils n’ont d’égal que leur égo, dont un qui affirme carrément que les vampyres sont une évolution de l’Homme — des « mutants » comme il dit — et non pas une espèce à part. Par moment on a quelques interventions intéressantes, dont le témoignage d’une jeune femme qui parle de l’égalité des sexes (l’un des réels points forts du vampyrisme, en plus d’égalité ethnique), et puis un type amusant qui vante la possession de crocs comme un atout sexuel de taille, les relations charnelles y gagnant lorsqu’un peu de douleur s’y ajoute (ayant des canines pointues, je ne pourrais qu’aller dans son sens…). Pour le reste la rigolade prend le spectateur au corps, surtout lorsque la caméra se retrouve en Europe. Les rituels ont l’air improvisé par des adolescents qui ont abusé de Donjons et Dragons, tous plus ridicules les uns que les autres avec leurs masques semblant sortis d’une boutique de farces et attrapes chinoise d’Ivry sur Seine. Les membres se trahissent eux-mêmes en se décrédibilisant « on crie une dernière fois le nom de l’esprit et après on va au bar ». En les voyant on ne peut s’empêcher de penser au passage de l’adaptation cinématographique de Spawn, où une bande de gamins tentent d’invoquer la Bête, avant de se pisser dessus en voyant le héros démoniaque; et je passe ce que Pinehead pourrait en dire…
Il faudra finalement attendre les dix dernières minutes pour voir des vampyres couillus faire une orgie en suspension et venir effacer la débauche de bêtise de leurs prédécesseurs, rappelant que le jeu de rôle sexuel c’est un peu plus que bander les yeux d’une femme en string et rigoler autour comme des débiles.
Vampyres est comme il l’était dit en introduction une immersion, ou plutôt une mise en bouche, et son objectivité ne pourra que vous séduire, l’objectivité étant l’outil essentiel de la pédagogie. Intéressé ou non par cette culture, vous vous laisserez happer jusqu’à la fin, et serez seul juge du bien-fondé de ce que vous aurez vu.

S’il y a bien qui divisera le public, ce sera Berberian Sound Studio. Pourtant il a un protagoniste plutôt attachant. Petit homme bedonnant âgé de la cinquantaine, introverti, timide, engagé dans un autre pays et n’ayant que pour correspondant que sa mère, il suscite immédiatement de l’empathie auprès du spectateur. Puis il a cette passion dans son métier qui fascine, mais c’est exactement qu’est le point de rupture entre les publics. D’un côté les personnes amoureuses de cette époque révolue des techniques d’enregistrement vintage seront instantanément envoutés par l’oeuvre, tandis que les autres s’ennuieront, que cela soit dit. Dommage, car Berberian Sound Studio est une bobine indispensable, si l’on s’intéresse un tant soit peu à ce que l’on ne voit pas au cinéma, à savoir les hommes de l’ombre, ceux dont la plupart du temps on ne lit pas le nom au générique, et qui sont néanmoins des magiciens, anonymes. Par dur également de voir la parenté qu’a le film avec des produits signés De Palma, en particulier Body Double pour son protagoniste faible, et bien-évidemment Blow Out, où l’on retrouve toute cette minutie enivrante, un mélange de chefs d’oeuvre qui font irrémédiablement de Berberian Sound Studio un autre chef d’oeuvre, et cela c’est sans s’attarder sur l’interprétation de Toby Jones qui est tout simplement saisissante tellement il s’empare de son personnage.
Chose qu’il faudra aussi souligner, le film est un pur giallo, à savoir un film d’exploitation à l’italienne (d’où le fait que le film prenne place en Italie et soit presque entièrement en italien), assimilé au thriller ou polar. C’est donc une double immersion, celle dans les coulisses et celle dans un genre qui peu à peu revient à la mode, même s’il peine à s’imposer, chose qui devrait changer grâce à cette bobine.
Berberian Sound Studio se classe parmi les perles de cette année 2013, et si les ambiances suffocantes et anxiogènes vous plaisent, foncez, vous aurez le plaisir de découvrir une boucherie faite de légumes.